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Foto: Vincent Haycock

entrevista

La creadora de éxitos del pop recuerda los sencillos y los cortes profundos que generaron algunos de los recuerdos más divertidos, así como el crecimiento personal, y cómo todo condujo a su quinto álbum de estudio, 'Gag Order'.

Al escuchar el nuevo álbum de Kesha, Gag Order, una cosa queda abundante e inmediatamente clara: no es la misma chica que el mundo conoció en 2009.

Si bien Gag Order es menos optimista que los álbumes anteriores de Kesha, es el más introspectivo y vulnerable que ha sido como compositora. Pero todo tiene sentido; esta es una niña que ha atravesado traumas muy públicos y problemas de salud, que finalmente se abrió paso y encontró esperanza en el otro lado. Aun así, no ha perdido de vista a la chica que una vez se lavó los dientes con una botella de Jack.

"Hay tres álbumes que conozco en la historia de mi vida en los que he puesto cada fibra de mi maldito ser: Animal, Rainbow y ahora Gag Order", le dice Kesha a GRAMMY.com. "Estoy increíblemente orgulloso de lo que es [Gag Order] y de en quién me he convertido a través del proceso".

Ella se refiere a Gag Order como un "exorcismo emocional", que es una descripción innegablemente precisa de la narrativa oscura pero catártica del álbum. Se siente como la liberación que Kesha ha estado construyendo desde Rainbow de 2017, y la hermana mayor y más sabia del personaje peculiar en Animal de 2010. Y aunque Gag Order puede tener un sonido diferente, Kesha insiste en que cada etapa de su carrera ha jugado un papel importante para llegar a este punto, incluso si ha sido una "montaña rusa emocional".

Para celebrar el lanzamiento de Gag Order, Kesha revisó toda su discografía y seleccionó 10 canciones que se sienten como las más importantes para su historia, ya sea que involucren momentos divertidos, momentos destacados de su carrera, un proceso de creación especial o un momento en vivo favorito. Lea las selecciones del cantante a continuación y descubra por qué canciones como "Blow", "Praying" y "Happy" son cruciales para la estructura de Kesha.

Estaba en un largo viaje en avión de Los Ángeles a Londres. Fue la primera vez que me ascendieron a clase ejecutiva y recuerdo haber pensado: Dios mío, ¿eso significa que lo logré?

Justo detrás de mí, estaban estos dos niños, y estuvieron siendo tan molestos durante todo el viaje, como por 13 horas, gritando y cantando. Y recuerdo que me dirigí a la persona que estaba a mi lado, que era mi manager en ese momento, y dije: "Oh, Dios mío, estos niños son tan..." y luego comenzaron a cantar "Tik Tok", y yo estaba como, "... lindo".

Empecé a reírme. Y pensé para mis adentros, Bueno, estoy escuchando a dos niños de 5 años cantar sobre cepillarse los dientes con una botella de Jack, así que ahora los amo.

Pasé de tocar en un club en Los Ángeles llamado Echo a unas 20 personas, y salió "Tik Tok", y mi siguiente concierto fue Lollapalooza, y había un mar de gente en el escenario. Y yo estaba realmente confundido. Pensé que tal vez se habían presentado en el escenario equivocado. Y luego, cuando comencé a tocar, todos me cantaban "Tik Tok", y fue abrumadoramente emocionante. Ese fue otro momento en el que dije: "Oh, esto está a punto de cambiar la trayectoria de cómo será mi vida ahora".

Y luego "Los Simpson" rehicieron la introducción [del programa], pero con "Tik Tok", y creo que en ese momento, nunca habían hecho eso antes. No estoy seguro si lo han vuelto a hacer. Pero solo recuerdo haber dicho: "Creo que hice algo que está golpeando el espíritu de la época de una manera particular que no esperaba".

Es una canción muy divertida y recuerdo haber hecho el video con James Van Der Beek. Y fue un recuerdo tan divertido, porque en la idea original del video, se suponía que debíamos besarnos, pero en lugar de eso, ambos decidimos que sería infinitamente más extraño comer queso.

Fue al azar, y él es el tipo más amable del mundo. Obviamente increíblemente talentoso, pero tan amable y genial. Fue una experiencia maravillosa trabajar con él porque estaba realmente dispuesto a hacerlo tan extraño como creemos que es. Estaba muy complacido con lo raro que salió ese video.

Tocar esa canción en vivo es una de mis experiencias favoritas, porque es [la parte de] mi show en vivo donde puedo asaltar el mundo con brillo. Siempre tengo mi mochila con purpurina de confianza que he tenido desde 2008. Tenía una mochila con purpurina hecha a medida, que era la ruina de la existencia de las personas con las que viajaba porque explotaba todo el tiempo. Todos tenían brillantina por todas partes hasta el punto de enojarse. Dijeron: "¡Encontré el maldito brillo en mi ombligo!" y yo estaba como, "No sé qué decirte sobre eso, lo siento mucho".

Estaba tan complacido con mi juego de pluma en ese caso. Además, la escribí con mi madre, así que fue realmente divertido escribir este tipo de canción oscura y trastornada con tu madre sobre comer personas. Vengo de ella, así que está tan trastornada como yo. Eso, como, resume nuestra relación.

Cuando lo toco en vivo, he atado a mis bailarines a un S&M, como, kink cross, y les arranqué el corazón, y luego procedí a cubrirme la cara con sangre falsa, como, disfrutar de la rutina caníbal de comer uno de mis bailarines Mis momentos favoritos de todos los espectáculos que he tocado son el asalto brillante y la rutina de canibalismo.

Ha sido genial ver a la gente en TikTok volver a conectarse con esa canción. Siento que tuvo este gran resurgimiento hace como un año o dos, donde todos estaban haciendo movimientos. Siempre aprecio el amor "caníbal".

Estaba entrando a mi antigua casa y tenía una urgencia abrumadora de agarrar la guitarra. Me senté en mi cama y escribí esa canción muy rápido, solo. Esa canción fue tan jodidamente especial para mí. Sabía que lo quería para abrir el álbum.

El álbum Rainbow fue cuando hice el cambio para pasar a la fuerza y ​​el poder. Me encanta cuando sucede ese giro en el proceso de hacer un álbum, porque generalmente hay reflexión sobre uno mismo, un poco de duda, sentir lástima por mí mismo, tristeza, y luego el momento en que cambia al territorio de jódete es cuando las cosas realmente se ponen bien.

Soy como cualquier humano. No me gusta leer cosas negativas sobre mí. Pero en algún momento, pasa de golpearme a mí mismo y odiarme a mí mismo a desafiarme a mí mismo en lo que soy. Y si no te gusto, entonces vete a la mierda. Todos mis enemigos deben saber que alimentan algunas de mis mejores canciones.

Tocando esa canción en vivo, me encanta cuando todos mis fanáticos encienden sus teléfonos y cantan conmigo. Porque se siente como este himno de la existencia y el orgullo de quién eres, y realmente, no solo sobrevivir, sino celebrar quién eres, y no permitir que las opiniones de otras personas saquen lo mejor de ti. Realmente me encanta jugarlo, porque es como un océano de luces, y se siente como si estuvieras nadando en este océano de amor.

"Rezar" es, indescriptiblemente, uno de los aspectos más destacados de mi carrera. Esa fue una canción tan desafiante, y es la canción más elocuente, elegante y hermosa que jamás haya escuchado. Hay tanta emoción en ella, pero en el alma de esa canción, está parado en mí sabiendo exactamente quién soy y lo que represento.

Estaré por siempre y eternamente agradecida con esa canción. Siento que fue una interpretación cósmica del universo que me fue regalada a mí y a los coautores de esa canción. Era simplemente la combinación perfecta para, en mi opinión, la mejor y más elegante canción f-you que jamás haya existido. Y no soy como un narcisista megalómano, pero siento que tengo algo de distancia, realmente puedo ver eso ahora.

"Orar" estableció un nuevo estándar para mí. "Praying" se convirtió en la canción que trato de superar cada vez que escribo una canción, porque estaba muy impresionado con lo que hicimos los otros escritores y yo.

Viniendo de una familia de música, es como nuestro linaje. Y como compositor, siento que puedo enorgullecer a mis antepasados ​​con ciertos momentos de mi carrera. Y "Praying" fue definitivamente uno de ellos.

Esa canción fue muy divertida. Eso fue una especie de recuperación de mi alegría en un momento en el que no me sentía con derecho a tener alegría. Sentí que la alegría no era mía para tomarla, y este era yo robándola sin permiso.*

Soy una buena persona, amo el lado malo y divertido de la vida. Creo que quería celebrar eso en lugar de avergonzarme, porque siento que todos necesitan algún nivel de maldad para disfrutar realmente la vida.

"Raising Hell" fue un momento para mí, especialmente haciendo el video. Eso fue muy catártico, porque pude celebrar la canción, pero también pude hacer este increíble video narrativo con Luke Guilford, donde pude ser el personaje que siempre soñé ser: un cruce entre, como, un evangélico. predicador, un asesino y un bandido.

Hubo una escena que se cortó cuando estaba arrastrando mi trasero del cadáver de un esposo por el suelo. De hecho, estaba arrastrando como 100 libras en esta lona, ​​​​y recuerdo haber gritado ahogadamente durante tres minutos. Queríamos incluirlo en el video, pero parecía tan psicótico que todos los demás decían: "No podemos tener tres minutos de ti gritando". Y yo estaba como, "¿Pero por qué no?" [Risas]

Voy a recordar esa escena para siempre, porque fue muy catártico arrastrar un cadáver por la habitación gritando. No sé de qué se trataba, pero siempre será uno de mis momentos favoritos en mi carrera.

Esa es una cita directa de mi madre. Ella dijo: "Nunca comas el ácido, no quieres que te cambien como me cambió a mí". Ella me dijo que cuando yo era muy joven, y hasta el día de hoy, nunca he comido ácido. Esa es la ironía de todo el álbum, porque ese fue el catalizador de mi nuevo álbum.

La noche antes de escribir esa canción, estaba teniendo toda esta ansiedad y realmente me sentía desestabilizado en este trauma colectivo que fue el último par de años para todo el mundo. Tuve este despertar espiritual, muerte del ego, psicomagia, así es como llamo a esa noche. Y tuve esta experiencia visual completa y una conversación con lo que ahora veo como la fuente de energía.

Realmente sentí que era un colapso psicótico, pero luego hablé con mi terapeuta y ella dijo: "No, felicidades, eso es un despertar espiritual". Así que decidí, en este álbum, apoyarme en él y realmente profundizar en lo que fue esa experiencia. Quería que la canción y el álbum sonaran como me sentía.

Tenía muchas ganas de terminar la canción con confianza y poder. Es este viaje de desarmar para volver a armar y romper la ilusión para crear un nuevo comienzo: un renacimiento. Y al final, como la declaración final que estoy haciendo es, ahora todo en lo que me voy a concentrar, me doy cuenta ahora, es en ser feliz. Toda la validación externa, y estas cosas que siempre pensé que quería, se ven diferentes a como esperaba. Mi enfoque, en lugar de obtener fama, casas de fortuna, autos, novios, amor en línea o cualquier cosa material, es aprender a amarme a mí mismo y hacer las paces con mi pasado y abrir una pizarra en blanco para mi futuro".

"Eat The Acid" es la primera canción que escribí para el álbum. Fue un momento innegable en el que pensé, esto era realmente diferente, y no sé si a alguien le va a gustar esto. Pero esto es lo que es ser un artista, y si tengo el gran placer de ser un artista esta vida, sería un flaco favor para mí y para cualquiera que pase el tiempo escuchando mi música, no ser completamente honesto con respecto a dónde estoy. estoy en Porque cada álbum y cada canción es como un pequeño capítulo en el libro de quién soy. Va a ser lo que sobreviva mucho después de mi muerte.

Ese fue el momento crucial del álbum para encontrar mi fuerza. Esa fue una de las primeras canciones que escribí en este pequeño mini campamento de escritura con Justin Tranter en su casa de montaña. Había ocho escritores sentados en su sótano. Todos estábamos sentados en el suelo y recuerdo haberles dicho: "Realmente quiero este himno fuerte, sobre cómo he soportado tanto odio en mi carrera en este momento. Estoy tan feliz de estar en un punto donde casi me alimenta".

Sentado en una habitación llena de ocho personas gritando "Odiame más fuerte", me imaginé haciendo eso [con] una arena de mis fans. Se siente tan poderoso y tan fuerte.

La canción que abrió el álbum fue "Eat the Acid", y la canción que ancló el álbum fue "Only Love". Porque a lo largo de la montaña rusa emocional por la que estaba pasando mientras hacía [Gag Order], seguí volviendo al mantra de "solo el amor puede salvarnos ahora". Ese es mi mantra para el estado de las cosas en el mundo, ese es mi mantra para todas mis relaciones interpersonales: tratar de liderar con amor, aunque estés en medio de todas estas otras emociones. Así que es el ancla, y es realmente el corazón del álbum.

Estábamos sentados en Shangri La, el estudio de Rick Rubin en una capilla, y yo había estado tan intensamente en el lado emocional de las cosas en este álbum, así que entré un día y tocamos esta canción tan rápido. Abordé todo lo que está pasando en el mundo con esta idea realmente concisa de que hay dolor, y luego está el renderizado. Entonces los versos son dolor e ira, y luego los estribillos son rendición y esperanza.

Recuerdo haberle enviado un mensaje de texto a Rick Rubin diciendo: "Oh, Dios mío. Creo que mi nueva canción te hará cagar". Y él dijo: "¡Yay!" [Risas] Y luego dije: "¿Hiciste caca?" Y él dijo: "¡Sí!" Estoy bastante seguro de que eso significaba que le gustaba.

"Feliz" es mi renacimiento. "Feliz" es la pizarra en blanco. "Feliz" soy yo saliendo de los escombros de lo que he sido y por lo que he pasado.

La felicidad es mi propósito ahora, mientras que antes puede haber estado ligada a la validación y las cosas materiales: logros, números, estadísticas, automóviles, ropa y marcas. "Feliz" es ahora lo que trato de encarnar en cada cosa que hago, en cada aliento que tomo, en cada oración que digo. No solo quiero ser feliz, sino que deseo eso para todos los demás porque siento que habría mucho menos dolor y violencia en el mundo si todos fuéramos felices. Así que eso es como si me abriera a mi futuro.

Podría verme nunca más sacando un álbum, o sacando un álbum en seis meses. No tengo idea de hacia dónde me dirijo. Todo lo que sé es que en todo lo que hago, no solo quiero ser feliz, sino liderar con felicidad y amor.

Creo que esa fue la experiencia de Gag Order: darme cuenta de que no tengo control, así que también podría hacer este exorcismo emocional, para poder renacer de verdad. Así que estoy un poco abierto al universo para ver a dónde me lleva. Y estoy muy emocionado de ver dónde está eso, mientras que antes sentía que tenía que estar sujeto a un estándar de quién era. Ahora, siento que no tengo que sujetarme a ningún estándar, todo es una ilusión. Tengo una gran curiosidad por lo que el universo tiene reservado para mí a continuación, y no tengo ni puta idea de qué es eso.

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Foto: Don Arnold/Getty Images

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Desde Dua Lipa hasta Joe Budden, algunos de los nombres más importantes de la música han agregado "presentador de podcasts" a sus impresionantes currículums. Tome sus auriculares y escuche nueve de los programas más perspicaces y creativos dirigidos por artistas.

A medida que los podcasts se han vuelto cada vez más populares entre los oyentes, también se han convertido en el patio de recreo preferido para que los creadores de música se expresen y, a su vez, muestren un nuevo lado de su arte.

Ya sea que se trate de entrevistas de horas de duración cortesía del pionero Questlove, conversaciones alegres con acompañamiento musical de Norah Jones o una lección de historia vital de Sam Smith, los podcasts permiten a los artistas conectarse aún más con sus fanáticos. Y aunque ya existe una variedad dispar de programas dirigidos por músicos, aparentemente es solo el comienzo de una nueva ola de podcasts.

A continuación, conozca nueve de los podcasts presentados por artistas más interesantes disponibles.

Una incorporación relativamente nueva a la esfera de los podcasts, Norah Jones is Playing Along es exactamente lo que parece. Presentado por el cantante de "Come Away With Me", el programa presenta a Jones tocando un piano con un grupo de sus amigos y colegas músicos. La lista de invitados del programa es igualmente variada, con episodios recientes que incluyen conversaciones memorables con el artista de folk indie Andrew Bird, el cantautor de música country Lukas Nelson y el virtuoso del jazz y Robert Glasper, quienes llevaron a los espectadores a un viaje musical a través de sus catálogos y más allá.

Conocido como el sabio sabio de la música, el legendario productor musical Rick Rubin muestra su energía zen y su insaciable pasión por la música en este podcast informativo, que presenta junto con el periodista y autor Malcolm Gladwell, el editor del New York Times Bruce Headlam y el productor Justin Richmond. Al igual que la lista de colaboradores de Rubin, que incluye a todos, incluidos Johnny Cash, Adele y Rage Against the Machine, el programa zigzaguea entre entrevistas perspicaces con una variedad de los nombres más destacados de la música, incluidos Giles Martin, Feist, Usher, The Edge , Aaron Dessner y Babyface.

Además de su carrera musical ganadora del GRAMMY, el ícono del pop Dua Lipa tiene una racha emprendedora burbujeante en la forma de Service 95, una marca de estilo de vida multiplataforma que incluye un boletín informativo y eventos especiales. También produce el popular podcast At Your Service, en el que Lipa entrevista a una amplia gama de personalidades, incluidos músicos (colaboradores Charli XCX y Elton John), luminarias culturales (Dita Von Teese) y activistas (Brandon Wolf) para conversaciones relajadas sobre sus respectivas carreras. .

En medio de sus papeles como miembro fundador de Roots, líder de banda en "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon", cineasta prolífico y autor de best-sellers, Questlove agrega presentador de podcasts a su rico tapiz cultural con Questlove Supreme. El programa se enorgullece de conversaciones sueltas, íntimas y profundas con quién es quién de las luminarias de la música, ya sea una charla emocional de varias horas con Mariah Carey, una conversación profunda con la leyenda de la trompeta Herb Alpert o íconos que van desde el difunto Wayne Shorter a Bruce Springsteen y al manager Shep Gordon.

La cantante británica Jessie Ware se une a su madre, Lennie, en este efervescente podcast, que muestra a la cantante de "Free Yourself" comiendo una deliciosa comida casera mientras mantiene una conversación igualmente deliciosa. Ya sea que los dos estén comiendo salmón rosado con Pink, pastel de berenjena con Shania Twain o pastel de espinacas y florentinas con Kim Petras, todo lo convierte en un giro extremadamente escuchable (y que induce al hambre) en el medio.

A principios de este año, el guitarrista de Red Hot Chili Peppers, Flea, lanzó la serie de entrevistas This Little Light, que se enfoca en la importancia de la educación musical. En poco tiempo, el podcast ya ha contado con invitados de peso, como Cynthia Erivo, Patti Smith y Margo Price. "Quería hacer This Little Light para beneficiar a mi escuela de música, el Conservatorio de Música de Silverlake", dijo en un comunicado tras su lanzamiento. "La idea detrás de esto es la educación musical, enamorarse de la música y embarcarse en un viaje musical para tu vida. El camino de todos es muy diferente, y es fascinante aprender cómo cada músico llegó a la música y desarrolló su estudio con el tiempo. "

El cinco veces ganador del GRAMMY, Sam Smith, presenta una historia conmovedora e informativa de la crisis del SIDA desde una perspectiva del Reino Unido, desde los primeros y desgarradores días de la enfermedad hasta las historias modernas, incluida la muerte de Terry Higgins (uno de los líderes de la región). muertes más tempranas), así como tratamientos innovadores. Meticulosamente investigado y contado en un estilo documental, el podcast de la BBC es a la vez inspirador y desgarrador, pero sobre todo, demuestra que los artistas pueden contar historias de manera efectiva más allá del ámbito de la música, al mismo tiempo que crean conciencia.

A diferencia de todos los demás podcasts de esta lista, el rey de la música dance y David Guetta se desvían del formato de entrevista y dejan que la música hable por sí sola. Guetta presenta este podcast semanal de una hora que funciona como una lista de reproducción, que presenta una selección de canciones seleccionadas por el propio Guetta. Por lo general, se abre con un remix del propio Guetta (recientemente presentó su versión del éxito ganador del GRAMMY de Kim Petras y Sam Smith, "Unholy"), y luego explora una variedad de pistas electrónicas de una lista dispar de artistas, incluidas pistas de baile. los expertos en música Olivier Giacomotto, Idris Elba y Robin Shulz.

Todavía fuerte ocho años después de su lanzamiento, The Joe Budden Podcast es presentado por el rapero homónimo y sus amigos mientras hablan sobre temas de hip-hop y sus propias vidas, con temas recientes que se centran en todo, desde la vida amorosa de Cher hasta Met Gala. . Cada episodio, que normalmente ronda las tres horas, es como una mosca en la pared para Budden y sus amigos. Por supuesto, hay entrevistas a celebridades a lo largo del camino, con chats para titulares como Akon y NORE.

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Antes de la tan esperada y extensa reedición de 'Wildflowers' de Petty, GRAMMY.com les habla mejor a quienes lo conocen, y a su querido autor fallecido.

Durante años, los fanáticos de Tom Petty esperaron ansiosamente el lanzamiento de la segunda mitad de Wildflowers, el estimado segundo disco en solitario de Petty, lanzado el 1 de noviembre de 1994. Coproducido por el productor ganador de varios GRAMMY Rick Rubin, Tom Petty y el guitarrista de Heartbreakers Mike Campbell , Wildflowers se concibió originalmente como un CD doble de 25 canciones, aunque el nuevo sello discográfico de Petty, Warner Bros., pidió que se condensara en un álbum de un solo disco de 15 canciones. Cuatro canciones de las sesiones de Wildflowers terminaron en la banda sonora de She's The One. Otra canción, "Leave Virginia Alone", fue grabada por Rod Stewart y debutó en el final de la vigésima temporada de "Saturday Night Live". Las cinco canciones restantes nunca vieron la luz del día.

Hoy, sin embargo, dos semanas después del tercer aniversario de la prematura muerte de Petty y varios días antes de lo que habría sido el 70 cumpleaños del ícono del rock, Wildflowers & All The Rest finalmente ha sido lanzado. Producida por el ingeniero y coproductor de Petty desde hace mucho tiempo, Ryan Ulyate, la colección fue seleccionada por las hijas de Petty, Adria y Annakim, Campbell, el tecladista de Heartbreakers, Benmont Tench, y la esposa de Petty, Dana (la pareja se casó en 2001). Hay varias ediciones disponibles en varios formatos (digital/CD/vinilo), comenzando con una reedición de 2 CD/3 LP de Wildflowers remasterizada y All The Rest que comprende las 10 pistas inéditas, la Edición Deluxe (que también incluye 15 demostraciones y 14 presentaciones en vivo que van desde 1995 hasta 2017) y la Edición Super Deluxe, que incluye Finding Wildflowers y comprende 16 tomas de estudio alternativas.

Un punto de referencia en su ilustre carrera y su disco más vendido, Wildflowers, certificado triple platino dentro de los nueve meses posteriores a su lanzamiento, tuvo un significado significativo para Petty. Hablando con el autor/periodista Paul Zollo en "Conversaciones con Tom Petty", Petty dice: "Creo que es quizás mi LP favorito de los que he hecho. Aunque soy parcial con algunos de ellos. Pero creo que, en su conjunto, es una pieza musical realmente larga, tiene casi 70 minutos de duración, pero esa es la que realmente me atrapa cuando la escucho. Puedo decir: 'Guau, estoy muy orgulloso de eso. salió exactamente como yo quería que saliera'".

Lamentablemente, mientras Petty escribía canciones para Wildflowers, su matrimonio con su esposa Jane Benyo se estaba derrumbando. (La pareja se casó en 1974, tuvo dos hijas, Adria y Annakim, y se divorciaron en 1996). Llena de dolor, soledad e incertidumbre, la composición de canciones de Petty cambió de acuerdo con la crisis en su vida personal, lo que se refleja en las letras de Wildflowers y en los títulos de las canciones, que incluyen " Hard On Me", "Time To Move On" y "Only A Broken Heart". Más íntimo y crudo que nunca, Petty expresa abiertamente su tristeza, angustia y frustración en medio de esporádicos destellos de luz.

Grabado en Sound City en Van Nuys durante un período de aproximadamente dos años a partir de 1992 , Wildflowers no era técnicamente un disco de Heartbreakers, pero todos los Heartbreakers aparecieron con la excepción del baterista Stan Lynch, quien fue reemplazado por Steve Ferrone cuando la escalada de tensiones con Lynch llegó a un punto de ruptura. Ringo Starr, quien tocó la batería en "To Find A Friend", y Carl Wilson, quien contribuyó con los coros en "Honey Bee", fueron los invitados especiales del disco.

En la canción de apertura y título, la dulcemente melódica "Wildflowers", Petty canta: "Perteneces entre las flores silvestres/ Perteneces en un bote en el mar/ Navega lejos, acaba con las horas/ Perteneces a un lugar donde te sientes libre". Aunque nunca se lanzó como single, "Wildflowers" fue un gran éxito entre los fanáticos de Petty. En el audio publicado en la página oficial de Instagram de Tom Petty, Petty revela que la canción improvisada se apartó de su proceso habitual de composición. "La canción 'Wildflowers' fue una de las únicas veces que me pasó en mi vida. Realmente me subí a mi pequeño estudio en casa, puse el micrófono y toqué toda la canción directamente desde el principio hasta el final. con todas las letras y la música de una sola vez. Y luego detuve la cinta y la reproduje y realmente estaba un poco, ya sabes, confundido. Seguí reproduciéndola una y otra vez pensando: 'Bueno, ¿en qué trabajamos? y ¿qué cambiaría?' Y luego pensé: 'No voy a cambiarlo. Solo voy a dejarlo como un flujo de conciencia'".

Si bien Petty no lo sabía en ese momento, en realidad escribió "Wildflowers" para alguien muy específico, alguien que necesitaba desesperadamente compasión y libertad. Lo escribió para Tom Petty. Según el libro más vendido de Warren Zane "Petty: The Biography" (2015), el terapeuta de Petty escuchó la canción y "le preguntó al cantante a quién se dirigía. 'Le dije que no estaba seguro', dice Petty. 'Y luego él dijo: 'Lo sé. Esa canción es sobre ti. Eres tú cantándote a ti mismo lo que necesitabas escuchar'. "Me hizo retroceder. Pero me di cuenta de que tenía razón. Era yo cantándome a mí".

Infundido con rock, folk y blues, Wildflowers, aclamado por la crítica, llegó al número ocho en la lista de 200 récords de Billboard. Rolling Stone le dio al álbum una reseña de 4 estrellas. "La pasión y la madurez resueltas de Wildflowers se vuelven más evidentes con cada escucha hasta que el álbum adquiere una resonancia inquietante y duradera". Nominado al GRAMMY como Mejor Álbum de Rock, Wildflowers produjo cuatro sencillos exitosos, cada uno de los cuales obtuvo posiciones en la lista Mainstream Rock de Billboard; la irónica "It's Good To Be King", "You Don't Know How It Feels" (Premio GRAMMY a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rock y Premio MTV Music Video al Mejor Video Masculino), "A Higher Place, " y "Me destrozaste".

Al titular originalmente la canción "You Rock Me", Petty compartió la historia de fondo de "You Wreck Me" en la sesión de Tom Petty Storytellers de VH1 en 1999. Realmente ya no digo eso porque me señalaron, de todos modos, que la banda simplemente sostuvo la cabeza y dijo: 'No puedes cantar, 'You rock me' en una canción', lo cual supongo que tenía sentido. ..y entonces, una noche, me di cuenta. Es 'www me'. Todo lo que hice fue cambiar 'rock' por 'wreck' y dijimos: 'Tú me destrozas, cariño'. Con eso, Petty sonríe, se ríe y se lanza al rockero muy enérgico con los Heartbreakers.

Existe la posibilidad de que la canción nunca se haya grabado. Campbell, quien escribió la música de "You Wreck Me" y coescribió varios éxitos de Petty, incluidos "Refugee" y "Runnin' Down A Dream", dice que inicialmente a Petty le gustó la demostración que Campbell le dio. Pero cuando Campbell preguntó por la canción meses después, Petty dijo que no estaba seguro de dónde la había puesto. Un día en el estudio, Rubin le preguntó a Campbell si tenía alguna canción. Cuando Campbell se la tocó, Rubin le dijo que le mostrara la canción a Petty, pero Campbell dijo que ya lo había hecho. Rubin sugirió que se lo mostrara a Petty de nuevo.

"Se lo volví a mostrar a Tom y le di un codazo y le dije: '¿Por qué no le escribes a esto?'", le dice Campbell a GRAMMY.com. "Lo gracioso es que creo que tal vez porque Tom estaba ocupado escribiendo sus propias canciones y estaba abrumado con eso, no estaba muy interesado en esa canción al principio. Lo hizo un poco bajo presión. Entendí la sensación, mientras la grabábamos, de que no era una de sus canciones favoritas. Pero cuando salimos de gira, un par de días después de la gira, tocamos esa canción en vivo y me cayó tan bien que se inclinó hacia mí. y dijo: 'Lo entiendo ahora. Esta es realmente una buena canción'".

El cineasta/fotógrafo Martyn Atkins, quien dirigió tanto el video musical de "You Wreck Me" como el documental "400 Days", que filmó durante la grabación de Wildflowers y su gira, diseñó el empaque y la portada del disco con buen gusto; cuatro fotos en blanco y negro, una de las cuales muestra a Petty mirando por la ventana de una camioneta camino al estudio de grabación, sobre un fondo marrón de papel artesanal con un círculo rojo que rodea una flor de cuentas rojas en la parte inferior de la portada. esquina izquierda, proporcionando el único toque de color. El nombre de Petty y "Wildflowers" están escritos en la parte superior en letras minúsculas con la letra de Atkins.

Atkins pasó mucho tiempo con Petty, tomando fotos y grabando filmaciones, dejando que las ideas surgieran de forma orgánica. Inspirándose en la intimidad de las canciones de Petty, Atkins optó por un diseño discreto. "Mi pensamiento sobre el empaque y el gráfico de "Wildflowers" fue que debería sentirse un poco más casero, algo elaborado que Tom estaba creando. Obtuve esa sensación de la música. Fue mucho más internalizado viniendo de Tom. Se sentía como si fueras tú. estábamos consiguiendo algo personal", dice Atkins por teléfono. Cortó e imprimió negativos de su metraje de película de 16 mm para las fotos de portada en lugar de usar una cámara normal. "Quería la aspereza y el grano real para la carátula del álbum. La idea no era tener algo brillante".

Explica el significado de la flor de cuentas rojas. "Tom tenía una bolsa de tabaco en su casa, una bolsa de gamuza de los indios americanos con una flor de cuentas. Creo que alguien se la había dado. Se preguntó si podríamos usarla de alguna manera. La tomé, la fotografié y sugirió que lo hiciéramos como un sello en la portada, algo gráfico que pudiera convertirse en un motivo. Le gustó la idea ya que la bolsa significaba algo para él. Hicimos pegatinas y las incluimos en el paquete del CD".

El mismo Petty pegó una calcomanía de Wildflowers en la esquina superior izquierda de una de sus guitarras favoritas, su Telecaster rubia (apodada "Torucaster" por el luthier Toru Nittono), donde la calcomanía permanece hasta el día de hoy. Algunas de las fotografías de la era Wildflowers de Atkins, junto con imágenes tomadas por los fotógrafos Mark Seliger y Robert Sebree, se incluyen en la nueva caja.

Durante años, Petty anheló reeditar el amado Wildflowers junto con su segunda mitad."Pensó que era realmente importante porque el legado del álbum Wildflowers ocupaba un lugar preponderante en esta carrera y sabía que la segunda mitad de Wildflowers era una declaración importante", dijo Rick Rubin, hablando con el exitoso autor Malcolm Gladwell sobre su "Broken Record". podcast en 2018.

Ulyate y Petty abrieron por primera vez la bóveda de Wildflowers en 2013, estudiando minuciosamente las cintas durante los descansos entre las sesiones de grabación de Hypnotic Eye, el último álbum de estudio de Tom Petty and the Heartbreakers. Para 2014, habían remezclado las 10 pistas inéditas de Wildflowers, que Petty secuenció y llamó All The Rest. Petty también seleccionó algunas demostraciones caseras para lanzarlas como material extra. Le contó a Rolling Stone sobre el lanzamiento de dos discos de Wildflowers programado para esa Navidad. Un año después, Petty lanzó la canción de la era Wildflowers "Somewhere Under Heaven" como promoción de una colección de Wildflowers: All The Rest que aún no tenía fecha de lanzamiento. Estaba esperando para lanzar Wildflowers: All The Rest cuando pudiera prestarle toda su atención y promocionarlo adecuadamente con una gira. Entre la gira de Hypnotic Eye, trabajando con su banda Mudcrutch de principios de los 70 (cuyos miembros incluyen a Heartbreakers Campbell y Tench), y la gira del 40 aniversario de Tom Petty and the Heartbreakers en 2017, retuvo Wildflowers: All The Rest hasta que pudo priorizarlo. .

"No estaba sacando música por kilos", dice Ulyate por teléfono. "Lo pensó y dijo: 'No quiero simplemente tirar esto'". Nunca le gustó inundar el mercado con cosas. Si lo hubiera lanzado sin promocionarlo, sintió que no habría tenido la recepción que pensó que merecía, así que decidió contenerse. Iba a volver a eso. , haga un balance y descubra cómo seguir adelante cuando terminaron la gira en 2017".

A lo largo de la gira del 40 aniversario de Tom Petty and the Heartbreakers, la lista de canciones de 18 canciones incluía cinco canciones de Wildflowers, junto con un grupo de éxitos clásicos de Petty, incluidos "American Girl", "Free Fallin'" y "Mary Jane's Last Dance". Dos días después de que terminara la gira, después de tres noches con entradas agotadas en el Hollywood Bowl, Petty le dijo al LA Times que el proyecto Wildflowers probablemente sería el siguiente en el que centraría su atención. Si bien dijo que todavía tenía que investigar un poco, especuló que una residencia teatral en tres ciudades, en lugar de estadios y arenas, podría adaptarse mejor al material.

"Tuvimos varias discusiones sobre hacer una gira de solo canciones de Wildflowers, tal vez en los cines", dice Campbell. "Durante tantas décadas, fue una gira de grandes éxitos, lo cual es genial, pero esto habría sido algo diferente. Podríamos compartir este álbum íntimo y tendríamos diferentes cantantes invitados con la banda para darlo". una vibra y una experiencia diferente de la gira que habíamos estado haciendo, lo que habría sido artísticamente gratificante para nosotros". Campbell dice que entre los posibles cantantes invitados que habían discutido estaban Jeff Lynne, Eddie Vedder, Norah Jones y Stevie Nicks.

Trágicamente, cinco días después de su entrevista con LA Times, Petty, que sufría de enfisema, aterosclerosis de las arterias coronarias, dolor de rodilla y fractura de cadera, murió repentinamente a los 66 años por una sobredosis accidental de analgésicos recetados. Pero el incomparable legado de Petty sigue vivo con Wildflowers & All The Rest, que llega justo después de dos lanzamientos póstumos anteriores de Tom Petty: An American Treasure (2018) y Best Of Everything (2019).

En los últimos meses, se lanzaron varias canciones y videos de Wildflowers & All The Rest: las demostraciones caseras de Petty de "Wildflowers", "You Don't Know How It Feels" y "There Goes Angela (Dream Away)", que fue descubierto después de la muerte de Petty. "No encontramos eso cuando Tom estaba cerca", dice Ulyate. "Encontramos aproximadamente la mitad de las demostraciones con Tom y él las aprobó y le gustaron y luego, después de que pasó, realmente rastreamos el fondo de la bóveda para tratar de encontrar todo. Fue entonces cuando encontramos más demostraciones".

"Confusion Wheel", el primer sencillo oficial de All The Rest, personifica la composición atormentada y altamente confesional de Petty en la era de Wildflowers. Petty canta: "Tanta confusión me ha destrozado / Tanta confusión me ha hecho temer / Que no sé cómo amar / No sé cómo confiar / Y no sé por qué". Sin embargo, Petty no ha perdido todas las esperanzas de un nuevo comienzo mientras canta: "Uno de estos días, nos iremos / Nos iremos cantando una canción nueva / Nos despertaremos cantando una canción nueva".

Consciente de que el material estaba cerca del corazón de su padre, Adria también es muy consciente de su importancia para la narrativa de Wildflowers. Hablando con GRAMMY.com por teléfono, dice: "Si el 'Mago ​​de Oz' tuviera otro carrete o si 'Let It Be' tuviera otro álbum, dirías, '¡Vaya! Para mí, eso es lo que Wildflowers & All El resto lo es, y por eso es tan importante para nosotros hacerlo bien porque es una pequeña joya en el archivo".

"Todos los involucrados están tratando de honrar y usar su sexto sentido en cuanto a lo que le gustaría, continuar con el legado como lo hubiera hecho si todavía estuviera aquí", dice Ulyate, quien trabajó de cerca con Petty durante más de 10 años. . Extraña terriblemente a Petty, pero señala que estar inmerso en su música lo ha ayudado un poco con su dolor. "No creo que ninguno de nosotros supere la pérdida, pero, en cierto modo, trabajar en la música lo ha hecho más fácil porque él todavía está aquí y todavía sale de mis altavoces. Encontrar estas cosas y sacarlas se siente como si todos estuviéramos haciendo nuestro trabajo para honrarlo a él y a su legado. De esa manera, estamos haciendo lo correcto y haciendo justicia a su legado, así que lo mantenemos cerca de alguna manera y esa parte me hace sentir bien."

Sin embargo, explorar los archivos de Petty fue difícil para Campbell, cuya historia con Petty se remonta a 50 años. "Fue una experiencia agridulce pasar por las cosas y no tener a Tom allí para hacerlo con nosotros", dice. "Repasar las canciones también trajo mucha alegría y dolor. Sin embargo, él realmente quería sacar estas cosas, así que trabajamos muy duro y tomamos las mejores cosas de lo que había. Era como si él estuviera sentado allí. con nosotros y tomamos decisiones en base a eso.

Algunas de las pistas las había olvidado casi por completo hasta que las escuché y fue agradable escuchar esta buena música que pudimos compartir con la audiencia. Al mismo tiempo, todavía estoy de duelo y fue un poco difícil sentarme allí y escuchar la voz de Tom en los parlantes y él no estar allí. A veces tenía que salir de la habitación por un tiempo, pero lo logramos".

Adria dice que cuando su padre murió, "fue un grito primitivo de incredulidad tan eterno que muriera sobre nosotros tan repentinamente". Ella dice que se sintió como una pérdida universal y que mientras el mundo lloraba junto con su familia, también brindaron mucho apoyo a los herederos de Petty. En cuanto a su dolor, tres años después, dice: "Siento que estoy dando un giro y, a medida que pasa el tiempo, siento que las partes se volverán más fáciles. Pero nadie supera la muerte de su padre". ." A veces, sin embargo, su dolor es abrumador. "Hay momentos en los que simplemente no quieres escuchar esas canciones... cuando suenan en el supermercado y dices, 'Eso es mucho'".

Ella dice, sin embargo, que escuchar Wildflowers es edificante. "Hay mucha alegría en escuchar esta era particular de la música para mí. Toca mi alma. Toca mi corazón y me hace sentir bien. No es el tipo de cosas que realmente te hacen pensar necesariamente en los shows en vivo o el hit-run del catálogo de papá, pero es un poco más una experiencia pura". Últimamente, Adria dice que se ha estado perdiendo en las letras de su padre y en la forma decidida en la que eligió cada palabra, editándola constantemente, como se refleja en las notas de estudio, los blocs de notas y los cuadernos donde constantemente borraba y reemplazaba las letras.

Rick Rubin y Tom Petty Foto de Robert Sebree

Reconocido por sus himnos, letras ingeniosas y compasión por los desvalidos, junto con su asombrosa habilidad para transmitir una profunda sabiduría y profundidad emocional utilizando un lenguaje sencillo y conciso, parte del genio artístico de Petty fue cuán engañosamente simple hizo que su composición pareciera completamente identificable pero igualmente épica. En verdad, era un poeta que trabajaba incansablemente y vestía jeans azules, incluido en el Rock and Roll Of Fame y en el Songwriters Hall of Fame.

Si bien las ediciones más completas de Wildflowers & All The Rest son un placer para los fanáticos, también sirven como una clase magistral de composición de canciones mientras escuchas la evolución de las canciones de Petty. Algunas demostraciones se reelaboraron antes de grabarlas en el estudio. Por ejemplo, antes de cambiar el coro de la versión de estudio completa de "Crawling Back To You", en la demostración, Petty cantó "coming back to you" y "running back to you". Otras demostraciones se dejaron de lado por completo, con partes de sus letras trasplantadas a otras canciones. "There's a Break in the Rain" es una demostración hermosa y conmovedora que Petty nunca desarrolló más. En cambio, usó su letra "en el recuerdo de un sueño" en "No sabes cómo se siente", la primera canción grabada para Wildflowers. Años más tarde, recicló su estribillo en "Have Love Will Travel" en The Last DJ (2002).

"Él realmente se preocupaba por escribir buenas canciones e interpretarlas bien", dice Ulyate. "Siempre quiso seguir mejorando y refinando su oficio. Estaba más interesado en eso que en ser un tipo famoso", dice Ulyate, quien dice que la meticulosidad de Petty lo abarcaba todo. "Estaba en todas las facetas de la composición de canciones. La canción tenía que ser buena, la primera línea tenía que atraparte y la canción tenía que tener una buena construcción, y él estaba en la producción, y cómo las canciones estaban arregladas en el contexto de un álbum. era importante. Quería asegurarse de que estaba contando una historia".

Petty continuaría escudriñando y cambiando canciones incluso después de que fueran grabadas. "Entraba en la masterización y decía: 'Está bien, vamos a masterizar el álbum y terminarlo' y él me llamaba dos días antes y decía: 'Tengo una mejor línea para el tercer verso'". " dice Ulyate. "Afortunadamente, teníamos una configuración que me facilitó escribir una línea en su estudio y lo escuchábamos y decía: 'Hombre, estoy tan contento de que me hayas llamado. Eso fue tan mucho mejor.' Siempre estaba pensando en formas de mejorar las cosas".

Ulyate atribuye parcialmente la destreza para escribir canciones de Petty a su "conocimiento enciclopédico" de la música. "Si quieres ser un buen compositor, tienes que ser un buen oyente de canciones", dice. "Tom Petty era probablemente el mejor oyente de canciones que conocía". La paleta musical extensa y colorida de Petty abarcó desde la música más oscura que Petty pudo encontrar hasta el blues y sus héroes Bob Dylan, los Byrds, los Beatles, los Beach Boys y Elvis Presley.

Se ríe con incredulidad al recordar la reunión de Petty con el director Thom Zimny, quien, en ese momento, estaba haciendo el documental Elvis Presley: The Searcher. "Thom Zimny ​​hizo un par de preguntas sobre Elvis y Tom Petty entró en esto en el que, básicamente, ¡durante los siguientes 45 minutos le enseñó al tipo sobre Elvis! Sabía más sobre él y yo estaba como, '¿Cómo sabes esto? mucho sobre Elvis?!'"

"Incluso si nunca le diste la mano, lo conocías, y siempre se sentirá como si perdiésemos a un amigo, no solo al abanderado de la gran composición". —Cameron Crowe sobre la pérdida de Tom Petty

De hecho, cuando Petty tenía 11 años y crecía en su natal Gainesville, Florida, su tío lo llevó a conocer a Presley, quien estaba trabajando en el set de rodaje de una película de Presley cerca de Ocala, Florida. Petty transmite la anécdota de Presley en el documental de cuatro horas del director, guionista y autor nominado al Oscar Peter Bogdanovich, Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin' Down A Dream (2007). "Elvis apareció como, ya sabes, una visión. No se parecía a nada que hubiera visto antes y estoy estupefacto... Me fui a casa como un hombre cambiado", dijo Petty en ese momento. "Cuando salí a la calle al día siguiente, estaba tratando de encontrar algunos discos de Elvis Presley. La música simplemente me hipnotizó y puse estos discos hasta el punto en que mis padres comenzaron a preocuparse de que algo andaba mal conmigo".

Hablando por teléfono, Bogdanovich (The Last Picture Show, Mask) dice que tanto él como Petty estaban orgullosos del documental, que ganó un GRAMMY al mejor video musical de formato largo en 2009, ("Estaba emocionado. ¿Qué director recibe un GRAMMY ?"), siempre está "teñido de tristeza" debido a la prematura muerte de Petty. Él dice que cuando Petty tenía una ventana de tres semanas entre las fechas de la gira en 2017, la pareja discutió agregar material a Runnin 'Down A Dream. "Hablamos sobre quizás agregarle de 10 a 15 minutos para incluir los últimos 10 años y actualizarlo. Tuvimos una buena conversación al respecto y él estaba interesado en la idea, pero no funcionó porque murió". "

Bogdanovich dice que la última vez que habló con Petty fue después de asistir a su penúltimo concierto en The Hollywood Bowl hace tres años, y llamó a Petty para hablar sobre su actuación. "Es trágico. Lo extraño muchísimo. Simplemente amaba al chico", dice. "Era un verdadero artista que se preocupaba por el arte, cantaba canciones fabulosas en las que ponía su corazón y alma. Era todo para él. No se trataba del dinero. Se trataba del trabajo".

La dedicación de Petty a sus fanáticos coincidió con su compromiso con su arte. Durante la gira del 40 aniversario, Atkins expresó su preocupación a Petty por llevar una guitarra pesada todas las noches mientras sufría una fractura de cadera que necesitaba cirugía. Él dice que sugirió la idea de detener la gira para mejorar y hacer una gira el año siguiente. Petty dijo: "No quiero detener la gira porque la gente reserva sus vacaciones para venir a verme y es importante en la vida de las personas y no quiero decepcionarlos".

Desde 1981, Petty luchó contra su sello discográfico MCA, que quería agregar un dólar al precio de su disco Hard Promises. Retuvo el álbum hasta que MCA cedió y no subió el precio. Petty describe su filosofía de admirador en el documental de una hora Heartbreakers Beach Party del director y guionista ganador del Oscar Cameron Crowe de MTV en 1983 , que fue el primer crédito de Crowe como director. Mirando directamente a la cámara, Petty dice: "A riesgo de sonar cursi, tienes que agradecer a los fanáticos. Sigo siendo muy respetuoso con eso. Me detendré y firmaré el asunto porque es muy importante. Creo que si pierdes que, si llegas a donde son solo ellos, entonces todo desaparece".

"Tom siempre se comportó como un fanático", le dice Crowe (Jerry Maguire, Almost Famous) a GRAMMY.com por teléfono. "En primer lugar, creo, fue alguien que nunca olvidó sus raíces amantes de la música en Florida y siguió siendo un ávido amante de la música y coleccionista toda su vida".

Crowe dice que Tom Petty and the Heartbreakers era uno de sus artistas favoritos sobre los que escribir cuando era periodista de Rolling Stone y que fue "un sueño hecho realidad" por lo que siempre se sentirá honrado de que Heartbreakers Beach Party fuera su debut como director. De hecho, si no fuera por Petty (y el productor ejecutivo Danny Bramson), a Crowe le habría llevado mucho más tiempo convertirse en director, si es que sucedió. “Estábamos en camino a la filmación del video de 'You Got Lucky' y él dijo: 'Toma una cámara y te tocaré una canción'. Dije que no era director. Él dijo: 'Solo filmame'. Así lo hice. Tocó la novedosa canción 'I'm Stupid' y cuando terminó, dijo: 'Adivina qué. Ahora eres director'. No puedo pensar en una mejor persona para convencer de saltar al fondo y comenzar una nueva carrera".

Dice que Petty contribuyó generosamente con la música de las bandas sonoras de las películas de Crowe a lo largo de los años, incluida una mezcla exclusiva de "It'll All Work Out" para Elizabethtown. También le dio a Crowe una cita de apertura para usar en el primer tráiler de su programa de televisión "Roadies".

"Tenía los pies en la tierra como puede ser", dice Crowe. "Incluso si nunca le diste la mano, lo conocías, y siempre sentirás que perdimos a un amigo, no solo el abanderado de la gran composición, y una banda que puede girar en cualquier dirección para entregar sus canciones".

En honor a la relación única de su padre con sus fans. , tanto Adria como Annakim cambiaron sus configuraciones de redes sociales privadas a públicas cuando Petty murió. "Sus fanáticos realmente fueron lo primero para él en su carrera", dice Adria. "Ese es gran parte de nuestro trabajo y nuestra responsabilidad, decir: 'Estamos aquí para seguir tratándote bien y hacer que las cosas sean asequibles y darte acceso a todo tipo de cosas geniales que dejó'".

A principios de este mes, en el tercer aniversario de la muerte de Petty, Adria publicó un video casero filmado en el estudio de la casa de Petty en la última Navidad de la familia juntos. Petty toca una guitarra acústica y canta "Crawling Back To You" (uno de los favoritos personales de Petty) mientras Cammie, una de las primas menores de Adria y Annakim, toca el piano. En el pie de foto, Adria escribe que tan pronto como Petty escuchó a Cammie tocar la canción , llevó a todos a su estudio para cantar y animarla. El pie de foto termina con "Te extraño demasiado todos los días, papá". mi padre murió, me siento agradecido [sic] de sentirme vivo de nuevo".

Cientos de fanáticos de Petty respondieron a las publicaciones de las hermanas. "Su música ha hecho que muchos de nosotros nos sintamos vivos", escribió un fan, mientras que otro escribió: "Me encanta la música de tu padre desde que tenía 10 años. Ahora tengo 52. Tuve la suerte de verlo en concierto unas 19 veces". . Siempre los mejores y más memorables espectáculos. Llorar ahora... todavía duele mucho".

En cuanto a la posibilidad de una futura gira de Wildflowers & All The Rest, Campbell, quien estuvo de gira con Fleetwood Mac durante un año y medio y desde entonces se ha centrado en su banda The Dirty Knobs, se emociona ante la idea de seguir adelante sin Petty. "Te diré cómo me siento al respecto", dice. "No sé cuántas etapas de duelo hay, pero todavía estoy probablemente en la etapa cuatro o lo que sea. No me siento emocionalmente cómodo con tener a todos los Heartbreakers en una habitación y diciendo 'uno, dos, tres, cuatro' y jugar sin Tom allí. Es un poco demasiado doloroso, pero no me opongo a la idea solo porque esto era algo que Tom realmente quería hacer. Me mantendría abierto a la idea cuando nuestro dolor se asiente para hacer lo que él hubiera querido, y tal vez volver a juntar a la banda con algunos cantantes y aprender las canciones y hacer esa gira de Wildflowers en su honor".

Después de una pausa, Campbell dice: "Necesito más tiempo. Es una gran pérdida. Fue mi mejor amigo durante 50 años. Probablemente nunca lo superaré por completo y lo estoy haciendo bien, excepto por algo tan cercano a la energía de Tom". y alma, necesito ser un poco más fuerte para asumir eso".

Mientras tanto, Adria dice que actualmente está en conversaciones con un director sobre un documental de Wildflowers, y que definitivamente habrá más música de Tom Petty por venir. "Tenemos un archivo grande y hermoso", dice, "simplemente vamos a tomarnos nuestro tiempo con él y trabajar en este por el momento y luego sentarnos y pensar en lo que debería suceder a continuación".

"Es difícil. Y sigue siendo difícil": el teclista de The Heartbreakers, Benmont Tench, sobre la vida después de Tom Petty

semisónico

Foto por Emmy Sherman

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La mente del power-pop detrás de "Closing Time" ha estado principalmente coescribiendo con grandes ganadores del GRAMMY: en 'You're Not Alone', vuelve a ser el líder de una banda.

El siempre convincente Dan Wilson no tiene escasez de consejos para sus compañeros músicos. De hecho, su página de Instagram está literalmente llena de eso. "La repetición es buena para la práctica, pero también proporciona un terreno fértil para... la suerte", dice una máxima al estilo de la galleta de la fortuna. "¿Tienes problemas para elegir un sencillo de tu lote de canciones?" pregunta otra imagen. "¿Alguno de ellos te hace sentir realmente incómodo y avergonzado? Ese es. El tema más vergonzoso = hit".

Si el hombre de 59 años se diera un consejo a sí mismo, podría ser algo como esto: "¡No tengas miedo, Dan! ¡A tu vieja banda de un solo éxito le encantarán esas canciones que has estado tocando!" Porque cuando se acercó al bajista de Semisonic, John Munson, y al baterista Jacob Slichter, con quienes no había lanzado música en casi dos décadas, estaba, según él mismo admitió, un manojo de nervios. "Tenía miedo de mostrárselos a los muchachos", admite Wilson a GRAMMY.com. "Pero estaba tan emocionada".

Esas canciones componen el nuevo EP de Semisonic, You're Not Alone, que saldrá el 18 de septiembre a través de Pleasuresonic Recordings/Megaforce Records. Canciones como la canción principal, "All It Would Take" y "Don't Make Up Your Mind" encajan perfectamente con su éxito de 1998 ganador del GRAMMY "Closing Time", tanto en su calidad como en su estética de la década de 1990. Dado que Semisonic nunca se separó técnicamente y han tocado juntos constantemente desde que se callaron públicamente, ¿por qué Wilson tardó tanto en escribir nuevos jams de Semisonic?

En pocas palabras, el cantautor se convirtió en un tipo diferente de artista. En los años transcurridos desde el último álbum de 2001 de Semisonic, You're Not Alone, ha volado en solitario mientras escribe éxitos en las listas de éxitos para los grandes centrados en los GRAMMY: The Chicks, John Legend, Adele. (La primera coescribió con Wilson, "Not Ready to Make Nice", ganó Canción del año en 2006; el álbum 21 de este último de 2001, para el cual Wilson coescribió "Don't You Remember", "One and Only" y "Alguien como tú", ganó Álbum del año el año de su lanzamiento).

Wilson regresa a su antigua banda como un filósofo del power-pop, un sabio compositor. Si solo conoce sus éxitos, o su popular serie de Instagram "Words & Music in Six Seconds", es un placer absorber sus observaciones de forma extensa. GRAMMY.com llamó a Wilson sobre You're Not Alone, su aversión a la música santurrona y por qué no está haciendo "limonada con limones" durante el encierro.

Esta entrevista ha sido editada y resumida para mayor claridad.

Dame tu opinión sobre las reuniones de la banda en general. ¿Hay una razón correcta para reunirse frente a una incorrecta?

La banda quiere hacerlo de nuevo. ¿Qué otra razón puede haber? La banda quiere hacer más música. Esa es una razón perfectamente buena. Estoy totalmente metido en eso. ¿Cuáles son algunas otras razones posibles? Yo opinaré. ¿La banda necesita hacer pagos por problemas médicos? Quiero decir, no tenemos eso, pero si alguien lo tuviera, creo que sería perfectamente legítimo. La banda quiere dinero, supongo. ¿Qué más hay ahí?

Supongo que eso es todo. Necesidad creativa, necesidad financiera o ambas. De cualquier manera, uno regresa a su antiguo trabajo.

Ya sabes, para Semisonic, había querido hacer esto durante años. Siempre hemos organizado un espectáculo todos los años solo para estar juntos, porque nos encanta estar juntos. El problema siempre ha sido que no he sido capaz de escribir canciones que suenen bien para la banda durante mucho tiempo. Este es el primer lote de canciones que he escrito para la banda que suenan bien.

Tenía razones que eran más como: amo a este grupo, amo la música que hacemos, amo estas canciones, quiero tocarlas, me gusta tocar en vivo y no puedo pensar en ninguna canción nueva para la banda en este momento. el momento. Fue frustrante.

¿Por qué el bloqueo mental todos estos años? ¿Qué hizo que fuera difícil escribir canciones semisónicas?

Bueno, antes que nada, hice un disco en solitario, Free Life [de 2007] con Rick Rubin, y pasé por una especie de proceso de tutoría con él que fue increíble. Aprendí mucho sobre cómo hacer discos y aprendí todo un tipo de ética y enfoque sonoro de Rick que fue genial.

Luego también aprendí a escribir canciones para que las cantaran otras personas y escribí canciones para Jason Mraz [como "Love is Still the Answer" de 2018), las Chicks, John Legend, ¡personas increíbles! — durante esos primeros seis u ocho años después de que Semisonic dejara de hacer giras. En cierto modo, me entrené temporalmente para dejar de ser el tipo de Semisonic. Era como un ácido musical. Perdí la pista de ese tipo de la banda.

Soy más consciente de eso ahora que entonces, así que en ese momento, era más como si intentara escribir un par de canciones para Semisonic y no serían lo suficientemente buenas o no sonarían como la banda. Sólo tenía que encontrar mi camino de regreso a él. No estaba desesperado por eso. Seguía pensando: "Volverá. Estará bien".

Y tenía muchas otras cosas interesantes que hacer: no estaba sentado sin hacer nada, ¿sabes a lo que me refiero? Pero cuando finalmente escribí un par de canciones que sonaban como la banda, tenía un poco de miedo de mostrárselas a los muchachos, pero estaba muy emocionado.

Creo que el oyente promedio encontraría este EP como un recuerdo de los 90, lo que tiene cierto sentido: fue entonces cuando ustedes se formaron. ¿Se siente cómodo con estar encasillado a una década? ¿Lo rechazas?

[Risa larga] ¡Eso tiene mucho sentido para mí! No estaba pensando "Hagamos un retroceso a los 90" en absoluto, pero siempre tengo estos manifiestos en mi cerebro que hago cuando me lanzo a algún proyecto.

Uno de los manifiestos, en este caso, fue "Vamos a gastar cero energías renovando nuestro sonido, modernizándonos o actualizándonos. Simplemente vamos a tocar como nosotros mismos y sonar como nosotros mismos y ver si a la gente le gusta eso". Hablando egoístamente, puedo tocar, escribir y, a veces, producir discos que son una parte muy importante del mundo musical actual. Toco la guitarra en la canción más reciente de Leon Bridges ["Sweeter"]; estoy muy orgulloso de eso. Co-escribí una nueva canción con JoJo ["Sabotage"] que acaba de salir. Es interesante porque es otra persona que ha tenido una carrera más larga. Hace poco salió una canción ["Six Feet Apart"] con Alec Benjamin.

No necesito ninguna validación al nivel de si soy un practicante actual. Entonces, en cierto modo, puedo decir egoístamente que no necesitamos actualizar nuestro sonido, pero pensé que simplemente nos quitaría esa pregunta de encima y no tendríamos que preocuparnos por eso. Me pareció muy útil no pensar "¿Es esto lo suficientemente permanente? ¿Es lo suficientemente moderno? ¿Es lo suficientemente diferente de lo que hacíamos antes?" [En cambio] fue "¿Esto suena como nosotros?"

No hay necesidad de sudar siendo demasiado retro cuando haces tanto en el ahora.

Tengo muy poco que demostrar en esa área. Realmente quiero hacer buena música y realmente quiero que a la gente le guste y realmente quiero que resuene de una manera que se sienta verdadera y honesta para la gente. Pero realmente no me importa si alguien piensa que suena como una banda de los 90 porque eso es lo que somos.

En "You're Not Alone", cantas "¿Cuál sería el punto si supiéramos lo que viene después?" Esto podría tomarse de varias maneras: existencial, espiritual, políticamente, lo que, en mi opinión, es el mayor honor que se le puede asignar a una letra.

¡Eso es fantástico! me encanta eso Me gustó cuando lo escribí. Pero fue literalmente una de esas cosas que diría mientras bebía. No es como si fuera una gran parte de la escritura de letras. Suena como una cosa típica de Dan para decir. Me alegro de que te guste la línea, y es algo que diría como ser humano más que como creador de canciones. Solo soy yo hablando.

También me gusta esta línea en "All It Would Take": "Cambiar el mundo dentro de mí y a mi alrededor". ¿Crees que necesitamos poner nuestras casas en orden antes de intentar limpiar las de otros?

No se limpia la casa de otra persona. Solo puedes hacer el tuyo. El cambio, el crecimiento y el aprendizaje, para mí, es mi elección. No puedo decir "Tienes que aprender un montón de cosas". No puedo decirle eso a otra persona.

Todo el mundo le dice esto a otra persona en las redes sociales.

[Otra larga risa] Bueno, ¡las redes sociales no son reales en absoluto! En primer lugar, no es un buen uso de su propio tiempo tratar de enseñarle a otra persona cómo vivir su vida. Vas a fracasar y habrás desperdiciado esa parte de tu propia vida.

Cambiar el mundo dentro de mí: ahí es donde todo tiene que comenzar. Las personas que encuentro más inspiradoras en el mundo son aquellas que han pasado por un increíble cambio interno, aprendizaje y crecimiento. Simplemente me hace querer ser mejor.

Con respecto al activismo moderno, me temo que algunos jóvenes no han hecho el trabajo interno antes de intentar el trabajo externo.

No quiero ser ese tipo, pero ese trabajo puede suceder en cualquier orden. Lo que sea que esté frente a tu nariz, tienes que hacerlo. Diré esto: siento que "All It Would Take" es lo más cerca que podría estar de escribir una canción sermoneadora. Porque realmente no me gustan las canciones sermoneadoras. Probablemente tampoco me gusten las personas sermoneadoras, que piensan que son mejores y necesitan arreglar a todos los demás.

Definitivamente no quiero escuchar una canción que diga que sabe más que yo y que necesito aprender una o dos cosas. Pero esa canción captura el sentimiento de cuando me he encontrado con personas que son profundamente inspiradoras y parecen haber aprendido cosas que yo mismo quiero aprender. Tal vez esa sea la clave para que esa canción se sienta verdadera y real, porque se trata de cómo me he sentido en mi vida un montón de veces.

Lo escribí después de ver esa película sobre Malala [Yousafzai, He Named Me Malala de 2015]. La cruzada por la educación de las niñas y los derechos de las mujeres.

Ella es increíble. Y ella no contiene un átomo de superioridad moral.

Completamente. Estoy 100% de acuerdo.

Dame una canción famosa que sientas que es un sermón de una manera impropia.

[Otra larga risa] ¡Dios mío! Hace mucho tiempo tuve una conversación con el pintor Frank Stella. Estaba en una sesión de preguntas y respuestas. Le pregunté por qué había tanto arte malo en los museos. Dijo: "No es tu trabajo pensar en el arte malo. Debes salir y encontrar el arte que amas y aprender de eso".

Así que, literalmente, no puedo pensar en ninguna canción que sea demasiado sermoneadora para mi gusto, pero puedo pensar en canciones que son increíblemente inspiradoras. Como "Un cambio va a venir". Sam Cooke es increíblemente inspirador e increíblemente moralmente admirable y resonante, y no se siente sermoneador en absoluto. No es completamente sermoneador. Es vulnerable, real e inspirador.

¿Qué hay de "Hello in There" de John Prine? No hay juicio en esa canción. Es hermosamente sin prejuicios.

Una línea más que me gustó, de "Basement Tapes": "Aún viviendo el sueño de Big Star en vivo con los demás". Lo que conecta la historia de Semisonic con una de mis bandas favoritas.

Estamos en el escenario, somos amigos, somos hermanos, estamos viviendo este sueño, y luego decir "¡Lo estamos haciendo en vivo!" es tan tonto y divertido.

Conozco a Jody [Stephens], el baterista de Big Star. Hemos salido mucho. Siento que es uno de mis héroes musicales que cobra vida frente a mis ojos, lo cual es increíble. Mencioné esa banda porque durante bastante tiempo fueron mi grupo favorito. Todavía estoy tratando de vivir ese sueño de Big Star y es divertido que lo sea.

¿Qué significa Big Star para ti? Para mí, se trata de resiliencia y de fallar maravillosamente.

Pienso en ellos como si fueran la banda más grande de la historia. Tengo una especie de visión retorcida de ellos, como si todos supieran que son los mejores. Cuando, no, no todo el mundo lo sabe. Definitivamente hay cosas sobre esa banda que entre comillas no funcionaron. Pero las cosas sobre esa banda que funcionaron, eso es todo lo que puedo ver al respecto. Mi perspectiva sobre Big Star es bastante miope. Estoy tan cerca de eso.

En este momento, estoy escaneando cada canción de Big Star en mi cabeza y no puedo pensar en una mala.

No, de acuerdo! Todo lo que quiero decir es que leí este libro sobre otra banda que admiro mucho, Crowded House. Todo el tema del libro era que deberían haber sido tan grandes como los Beatles, pero algo salió mal.

Siempre siento que es una carga terrible para una banda: no llegaste a ser tan grande como los Beatles y, por lo tanto, fracasaste. Eso es una broma. Nadie va a ser tan grande como los Beatles. Eso significa que todo artista es un fracaso, lo cual es una tontería.

Cada vez que hablo con la gente sobre Big Star, dicen: "Ah, es una lástima que más personas no los hayan escuchado". En mi mente, todo lo que puedo pensar es "Son los mejores. ¡Son tan buenos!"

¿Cuál es el estado de tu composición durante el COVID-19? ¿Está más en un período de crecimiento acelerado o en un patrón de espera?

Bueno, he estado escribiendo canciones todo el tiempo, con amigos y colegas en Zoom y también solo. Al principio del encierro, pensé brevemente: Bueno, esta es una oportunidad para mí de realmente amplificarlo y escribir muchas canciones y ser muy, muy intenso y productivo".

Pero luego experimenté rápidamente lo agotador que es el encierro. Realmente abandoné la idea de tratar de ser productivo o tratar de hacer limonada con limones. He vuelto a lo de siempre: hacer música porque la disfruto y me parece significativa. He dejado de lado cualquier sentido de que esto sea una oportunidad de oro o una carga terrible y solo estoy haciendo música.

Algunas personas se inclinan a avanzar mientras el mundo está en pausa.

Sí, creo que mucha gente tiene ese sentido, como "si hacemos esto bien, saldremos con un imperio". Lo cual creo que es una locura. La persona que puede estar encerrada por una pandemia y lidiar con el peligro de la misma, el temor existencial de la misma y el cambio devastador y tratarla verdaderamente como una oportunidad de negocio es una locura.

Considerar esto como una gallina de los huevos de oro cuyos huevos deben recolectarse de inmediato es una peculiar locura capitalista estadounidense.

Con You're Not Alone en camino, ¿qué sientes que el mundo no entiende sobre Semisonic que quieres corregir?

[Pausa larga] Por lo general, no soy bromista y me vinieron a la mente un montón de comentarios graciosos. Eso es tan raro. No siento ninguna necesidad de corregir la percepción de Semisonic de nadie. Tal vez a mi ego le gustaría que más gente pensara que la banda es increíble, pero eso es básicamente "Me gustaría otro postre, por favor. ¿Puedo tener más postre?"

Tengo un trío y amo a los otros miembros del trío. Y ellos me aman. Somos amigos estemos o no haciendo música juntos. Hemos viajado juntos por el mundo y hemos tenido experiencias que John llama "locos", con lo que estoy de acuerdo.

Uno de nuestros sencillos se reproduce en la radio 20 años después de que uno de nuestros otros sencillos se convirtiera en una piedra de toque cultural perenne, un remate, un objetivo para los músicos de todo el mundo. ¿Qué diablos necesito más que eso?

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Kesha

Foto: Kevin Invierno/Getty Images

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El espectacular en línea del 26 de junio celebrará los aniversarios de los históricos disturbios de Stonewall de 1969, así como el fallo de la Corte Suprema de 2015 en Obergefell v. Hodges a favor de la igualdad en el matrimonio.

Un elenco repleto de estrellas de artistas y activistas de la comunidad LGBTQ+ participará en el evento de transmisión especial del Día de Stonewall de Pride Live. El cartel cuenta con las actuaciones deKeshayHayley Kiyokoademás de apariciones de grandes nombres del mundo de la música, la moda, el entretenimiento y la política, incluidosTaylor Swift,Demi Lovato,Cynthia Erivo,Katy Perry, Christian Siriano, George Takei, Donatella Versace, Chelsea Clinton y más.

Además, presidentebarack obamaaparecerá y entregará un mensaje especial de apoyo durante el evento de transmisión en vivo, que será presentado por la defensora trans y modelo Geena Rocero.

"Como mujer trans e inmigrante nacida y criada en Filipinas, es un honor organizar un evento del Orgullo con un talento de renombre mundial", dijo Rocero.Gente . "Al trabajar con Pride Live, nos aseguraremos de que el Día de Stonewall y sus mensajes de comunidad y resiliencia lleguen a las personas LGBTQ de todo el mundo, especialmente a las personas LGBTQ de color".

Casi todos los eventos del Orgullo en persona durante el Mes del Orgullo han sido cancelados, segúnPiedra rodante . Las festividades en línea celebrarán el aniversario de los históricos disturbios de Stonewall de 1969, así como el quinto aniversario del fallo fundamental de la Corte Suprema en Obergefell v. Hodges a favor de la igualdad en el matrimonio. Las ganancias del evento se destinarán a apoyar a las organizaciones LGBTQ+ afectadas por el COVID-19.

"COVID-19, y los eventos recientes que han puesto de relieve a nivel nacional y mundial la necesidad de un trato justo e igualitario para todas las personas, ha impactado a muchas personas en todo el mundo y la comunidad LGBTQ+ no ha sido inmune", Dra. Yvette C. Burton, presidente de la junta directiva de Pride Live, dijo en undeclaración . "Esto ha resultado en que organizaciones LGBTQ+ vitales y que salvan vidas tengan que modificar severamente sus presupuestos y programas", continuó el Dr. Burton. "Esperamos que Stonewall Day pueda ayudar a nuestros beneficiarios a continuar con su trabajo y servicio a la comunidad".

Stonewall Day se transmitirá el viernes 26 de junio de 12:45 p. m. a 3:00 p. m. EDT en Logo'sFacebookyYouTubepaginas

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